Las 20 mejores canciones internacionales de 2023 (2024)

20. Madness – “Theatre of the Absurd“

Cuando ya era un clásico con 30 años y sin nada que validar, Madness editó en 2009 uno de sus mejores discos, el exuberante The Liberty of Norton Folgate. A fines de 2023, después de dos LP “de transición”, los magníficos 7, que ahora son 6, sacaron de la manga Theatre of the Absurd, otra maravilla en la línea conceptual y caleidoscópica de The Liberty. El concepto, precisamente, se glosa en el barroco y orquestal tema del mismo nombre. Estamos en un oscuro teatro de Londres, ante “la comedia más cruel” y con “un público que no se atreve a no mirar”, actores sin guion y las puertas trabadas. ¿Suenafamiliar?

19. p*rno for Pyros – “Agua“

Veintiséis años tuvieron que pasar para que p*rno for Pyros (la banda comandada por Perry Farrell y que completan Stephen Perkins, Martyn LeNoble y Peter DiStefano) editara una nueva canción. “Mucha agua bajo el puente ha pasado desde entonces”, debe haber pensado el pequeño gran hombre creador del festival Lollapalooza y no dudó en bautizar a este tema “Agua” (así, en castellano). El fundador también de Jane’s Addiction acompañó el lanzamiento con un llamado de atención para proteger los océanos. “Lo hago a través del mejor megáfono que conozco: la música”, dijo sobre esta oda acuática, con el sol californiano y las olas de fondo.

18. Queens of the Stone Age – “Emotion Sickness“

Con un estribillo ciento por ciento “stone” y las punzantes guitarras que marcaron su sonido a lo largo de los años, la banda de Josh Homme decidió adelantar lo que sería su nuevo álbum, el primero en seis años. “Emotion Sickness” fue el primer tema revelado de In Times New Roman… y dejaba claro que el camino no estaba muy lejos del que habían transitado con Villains (2017). “A veces uno necesita mirar debajo de las cicatrices y las costras para ver la belleza, y a veces las costras y las cicatrices son la belleza”, dijo Homme sobre esta canción de estribo pegadizo, con la receta imbatible de Jagger-Richards, circa Steel Wheels (1989).

17. Rosalía y Rauw Alejandro – “Beso“

La relación de Rosalía y Rauw Alejandro duró tres años y dejó bastante tela para cortar: rumores, especulaciones, reclamos y también algo de buena música. Afrodisíaco (2020), el álbum debut del cantante puertoriqueño, contó con la producción de la española. Y juntos editaron RR (2023), un EP colaborativo de tres canciones entre las que se destaca la romántica “Beso“, una declaración de amor en la que el reggaetón clásico de Rauw se va espesando a fuego lento gracias al calor característico de Rosalía. Un combo único que difícilmente vuelva a repetirse. “Lo mejor que tengo/ Es el amor que me das/ Huele a tabaco y melón/ Y a domingo en la ciudad“.

16. Billie Eilish – “What Was I Made for?“

En Barbie, Greta Gerwig imaginó a la histórica muñeca de Mattel siendo consciente de que su realidad era bastante distinta a la de su mundo de fantasía. Para la banda de sonido de la película, Billie Eilish tomó esos planteos existencialistas como punto de partida para una canción que suena en el clímax del film, una balada frágil y susurrada en la que las preguntas que se hace una muñeca que descubre que su vida no es real se parecen bastante a las que la propia Eilish parece estar enunciando sobre su propia insatisfacción (“¿Cuándo se terminó todo el disfrute?”, se pregunta) con una vida expuesta al ojo público.

15. Taylor Swift – “Is It Over Now?“

Para el cierre de la Taylor’s Version de 1989, Swift rescató este synthpop melodioso y agridulce en el que repasa los errores cometidos que desencadenaron una separación. Taylor hace su propio vía crucis emocional, vuelve sobre sus pasos para sanar heridas y finalmente confirma haber hecho el proceso de duelo al espetarle a su examante “Tu nueva chica es mi clon”. El 11 de noviembre, Swift interpretó por primera vez la canción durante su segunda función en el estadio de River. Lejos de todo artificio, su versión de “Is It Over Now?” fue a guitarra y voz, el recordatorio de que las canciones que perduran son aquellas que se sostienen con lo mínimo indispensable.

14. Grupo Frontera y Bad Bunny – “un x100to“

Bad Bunny hizo su incursión al género regional mexicano de la mano de uno de los nombres más fuertes del año en esa materia, Grupo Frontera. Matemática pura. Como no podía ser de otra manera, la fusión entre hitmakers resultó en una de las colaboraciones más escuchadas del año (en Argentina y en el mundo). Y una de las más pegadizas, también. En el videoclip, la banda de Edinburg, Texas, y el cantante puertorriqueño se encuentran en pleno desierto, con apenas una raya de batería en el teléfono. Entonces, ¿qué mejor que usarla para pedirle perdón a tu ex? “Me queda 1 por ciento/ Y lo usaré solo para decirte lo mucho que lo siento”, riman casi sin pensarlo.

13. Residente y Wos – “Problema Cabrón“

“Soy un problema, el más grande de este recinto”, dispara con su flow habitual Residente, sobre una base que navega entre los blues y el swing. El boricua encuentra en Wos el socio ideal para construir un relato in crescendo que parece una oda megalómana a la megalomanía, aplicado a un prontuario personal. “Yo soy un peligro, calle sin salida, nunca fui normal, pa´ encarar la vida”, replica Wos. La escena podría transcurrir en una taberna de Memphis, Tennessee, pero el clip (una obra de arte de más de diez minutos en la que Residente despliega su cinefilia) tiene aires de spaghetti western en una especie de campamento gitano.

12. Los Ángeles Azules y María Becerra – “El amor de mi vida“

El derrotero musical de María Becerra la llevó por las diferentes variaciones de lo urbano, las baladas, el trap apto para todo público, el pop, el reggaetón y más, pero hay un género con el que están hechos tal para cual: la cumbia. En esa ecuación aparecen Los Ángeles Azules, el grupo legendario de la cumbia tropical made in México cuyo vínculo con Argentina es intenso. Juntos hicieron “El amor de mi vida”, una canción que para María Becerra significa la celebración de su propia historia, su familia, y la muestra como una versión centennial de Gilda en la que explotan su carisma, su poder de seducción, el romance y su voz perfecta para guiar el baile cumbiero.

11. Eslabón Armado y Peso Pluma – “Ella Baila Sola“

Quizás ninguna canción capturó el fenómeno en el que se convirtió la música mexicana en Estados Unidos como “Ella Baila Sola“, el destacado sierreño del grupo revelación Eslabón Armado junto a la recién consagrada estrella Peso Pluma. Los primeros acordes de un requinto punzante abren paso a una explosión de charchetas rítmicas y trombón que le otorgan a la canción un sonido rico y envolvente que cautiva al oyente de inmediato. Esa combinación, junto con el contraste entre los versos sedosos de Eslabón y el áspero tono de Pluma, significó una ubicuidad instantánea: tras recibir impulso en TikTok, trepó al puesto número uno a nivel mundial.

10. Miley Cyrus – “Flowers“

“Me puedo comprar flores, puedo escribir mi nombre en la arena, puedo hablar conmigo misma durante horas y decir cosas que vos no podés entender, puedo llevarme a bailar y tomarme de mi mano. Sí, me puedo amar mejor de lo que vos podés”, canta una despechada Miley Cyrus en su último hit para esta temporada, incluido en el disco Endless Summer Vacation. “Flowers” está dedicada a su expareja Liam Hermsworth y la misma Cyrus confesó que en un principio el tema era más triste, mucho más abajo, pero luego lo convirtió en esta oda al empoderamiento femenino para bailar en la pista y olvidarse de los malos tragos (y amoríos) del pasado.

9. Wilco – “Evicted“

“Evicted“ es, en muchos sentidos, la quintaesencia de Wilco, con su paleta country-rock sencilla pero taciturna. Igual, hay toques de lo que la célebre música galesa Cate Le Bon –que produjo el último álbum de la banda, Cousin– le aportó a las sesiones, en particular una guitarra solista que resuena con una extraña vibración. Sobre la canción, el líder Jeff Tweedy le dijo a Rolling Stone: «Supongo que intentaba escribir desde el punto de vista de alguien que lucha por defenderse ante la abrumadora evidencia de que merece ser excluido del corazón de alguien. Las heridas autoinfligidas siguen doliendo y, según mi experiencia, es casi imposible recuperarse por completo de ellas.»

8. Mitski – “The Frost“

“Ahora el mundo es sólo mío/ Sin nadie, nadie/ Para compartir el recuerdo de la escarcha“, canta Mitski con su voz singularmente emotiva sobre una base country que acaricia suavemente los oídos. En menos de tres minutos, la cantante nipo-estadounidense se las arregla para vaciar de contenido a la típica soledad en un relato que goza de su narración única y que desgarra, pero que también, como indicó la periodista Brenna Ehrlich en su reseña de The Land Is Inhospitable and So Are We para Rolling Stone, parece venir a responderle a “I’m So Lonesome I Could Cry” de Hank Williams, un clásico del country escrito hace más de 70 años. Una canción de esas para quedarse a vivir.

7. The Beatles – “Now and Then“

“Now and Then” estaba en el mismo casete que Yoko Ono le dio a Paul McCartney en 1994 con las grabaciones de “Free as a Bird” y “Real Love”. Aunque el trono de “última canción Beatle” le queda algo grande, tiene finos toques melancólicos típicos de Lennon, cuyas notas agridulces sientan bien como “cierre de ciclo”. Pero lo llamativo es el demo original, la grabación al desnudo, que salió a la luz en modo no oficial a consecuencia del trabajo conjunto de McCartney y compañía. Los tonos morosos y fantasmales de John sentado solo al piano conforman un micromundo que, más allá de la melodía, poco tiene que ver con la versión comercial, con “la última canción Beatle”.

6. PJ Harvey – “I Inside the Old Year Dying“

En poco menos de dos minutos, Harvey pinta el fresco de una escena que transcurre en un territorio devastado. Sobre el rasgueo marcial de una guitarra acústica y una batería que parece a punto de desensamblarse en cada compás, imagina al sol como una lámpara débil que alumbra una tierra arrasada mientras un zorzal atraviesa el cielo. Con dos versos ordenados como haikus, Polly Jean recurre al dialecto dorset del suroeste británico para darle forma a una canción que funciona como punto de contacto entre su último disco y Orlam, su novela escrita en verso, la reinterpretación del folclore británico a la que esta canción parece estar dirigiéndole la palabra.

5. The Rolling Stones feat. Lady Gaga – “Sweet Sounds of Heaven“

Un “piano stone” (sí, también existe eso) da el puntapié inicial a esta suerte de góspel con inicio de balada blusera, que poco a poco va subiendo temperatura hasta convertirse en el tema más épico (y más extenso: siete minutos y veintidós segundos) del último álbum de The Rolling Stones (Hackney Diamonds). Mick Jagger se bate a duelo vocal con Lady Gaga (la rompe toda), mientras Stevie Wonder los acompaña desde su Fender Rhodes. “Bendice al Padre, bendice al Hijo/ Escucha el sonido de los tambores, mientras resuena por el valle… y estalla”, canta y uno no puede dejar de pensar en su amigo Charlie Watts.

4. Blur – “Barbaric“

Con el poder que le otorgan los años y la fuerza de la tristeza, Albarn escribe en “Barbaric” su propio Facundo: amor o barbarie. ¿Qué sucede una vez que se pierde ese sentimiento más profundo que uno pensó que siempre estaría allí? Blur, en The Ballad of Darren, su noveno y último disco, propone allí prenderlo todo fuego. En su canción más magnética y personal del álbum, con las guitarras y coros característicos de esos 30 años de identidad, Albarn se lamenta del fin de una relación mientras crece cada vez más su intensidad en la interpretación, pide permiso para llorar eso que se evaporó, y admite no saber hacia dónde está yendo. El amor no ha muerto, ¡vive aún!

3. Depeche Mode – “Ghosts Again“

Aunque la finitud ya aparecía como concepto a la hora de pensar en un nuevo disco de Depeche Mode, la pérdida de uno de sus miembros fundadores les dio a las canciones de Memento Mori una perspectiva distinta. Escrita junto a Richard Butler de The Psychedelic Furs, “Ghosts Again” puede haber nacido como una canción de amor eterno, pero tomó un carácter bastante distinto después del fallecimiento de Andrew Fletcher (1961-2022), una plegaria sintética midtempo en la que Dave Gahan y Martin Gore se sacudieron la rabia política de sus últimos discos para reflexionar sobre la fragilidad de la vida y lo sorpresiva que puede ser la llegada del fin.

2. Shakira y Bizarrap – “Bzrp Music Sessions, Vol. 53“

Un diss track que devino en una avalancha de récords, la colaboración entre la artista colombiana y Gonzalo Conde corrió como un reguero de pólvora en el terreno musical, pero también en el mediático. La Music Session 53 tuvo a Shakira al frente de un synthwave discreto que funcionó como una actualización de su sonido después de sus colaboraciones con Ozuna, Black Eyed Peas y Rauw Alejandro. Pero lo que aparecía como un paso más en la escalada internacional incesante de Bizarrap cobró un nuevo giro gracias a una letra en la que Shak le pasó factura de su separación a Gerard Piqué con poco lugar para el misterio, comparaciones alevosas con Rolex, Casio, Ferrari y Twingo como puntos de referencia y una línea/eslogan convertida en grito de empoderamiento: “Las mujeres ya no lloran, las mujeres facturan”. El tema llevó a Biza al living del late night show de Jimmy Fallon, donde la dupla recibió los cuatro premios Guinness que cosechó su colaboración. Las caderas no mienten, los números tampoco.

1. Idles feat. LCD Soundsystem – “Dancer“

Si es cierto que los hombres duros no bailan –una máxima claramente extranjera a la tierra del tango–, nada hacía esperar esta colaboración entre Idles y James Murphy y Nancy Whang, de LCD Soundsystem. “Dancer”, sin embargo, es un joint venture lógico y no menos certero entre los campeones británicos del brutalismo y los reyes neoyorquinos del electro-rock: un track pesado, marcial, tan orgánico como sintético, con links al tecno industrial de principios de los 90, cuando grupos como KMFDM amenazaban con alistarse para encabezar el Monsters of Rock 2020 (algo que, por supuesto, no se materializaría). En este primer single de Tangk, el nuevo disco de Idles previsto para el mes próximo, Joe Talbot entrega otra de sus ya estilizadas y fragmentarias viñetas sociales, esta vez de excursión en un mundo extraño: la pista, entre el sudor, las caderas que se rozan y el vértigo. Fiel a su propia tradición, este dance floor, claro, es un foco de tensión a punto de estallar.

Textos de Daniel Flores, Sebastián Ramos, Humphrey Inzillo, Martín Sanzano, Juan Facundo Díaz, Gonzalo Bustos, Joaquín Vismara y Jorge Luis Fernández.